与大师一起艺术创想读后感（收藏十一篇）。
当细细品完一本名著后，大家心中一定有很多感想，是时候写11篇读后感好好记录一下了。千万不能认为读后感随便应付就可以，下面是小编帮大家整理的艺术哲学读后感，欢迎大家分享。
与大师一起艺术创想读后感 篇1
该书是由法国历史学家H?丹纳所著，作者用清晰﹑详实的笔墨，讲述贴近我们生活的艺术。书中作者主要讲了意大利﹑尼德兰﹑希腊的艺术哲学。
意大利﹑尼德兰﹑希腊的艺术是世界艺术文明的典范，这三个国家的艺术造诣特点是世界艺术史艺术的缩影。讲到意大利的'艺术哲学，作者从画派的特征，艺术产生的各种条件，促进艺术表现人体的原因以及意大利人的生活和趣味介绍。通过作者的文字分析，我们能理解意大利表现的一种文化是源于文艺复兴时期，依照古代的风格，同时根据现实的环境，赋予其新的意义。意大利人在声乐雕刻建筑绘画中融入自己民族的东西，用一定形式表达自己的情感或意图。文中提到意大利艺术表现形式有一个突出特点—表现人体。意大利缺乏长久的太平和公正的司法制度，人们几乎是处在不安定的状态中，因此表现人体，一定程度上是追求人性自由的诉求。
作者谈论尼德兰的艺术则从尼德兰艺术出现的综合原因以及尼德兰艺术的历史分段两个方面进行描写。从早期艺术到文艺复兴时期艺术再到伦勃朗的出现，尼德兰的艺术在不断的发展成熟完善，为后人所津津乐道。
《艺术哲学》中对希腊的艺术哲学进行分析，则从种族﹑时代﹑风俗三个方面进行。希腊人得行为方式，所处的特殊时代背景，以及人们对于精神世界的无限向往与追求，成就了一个世界文明的发源地—希腊。谈到希腊的艺术成就，不得不讲它的体育成就。作为奥林匹克运动会的发源地，希腊为奥林匹克事业做出了不可磨灭的贡献。
整本书没有多少难懂的语言，全文作者用通俗易懂的文字，把艺术哲学呈现在读者面前，使我们这些门外汉能够初步地了解什么是艺术哲学。
与大师一起艺术创想读后感 篇2
老师给我们推荐了很多艺术类的书，其中有一本叫《艺术的故事》，这本书很强大，被誉为艺术中的圣经。据说它被译成30种文字。把成千上万的人引入了艺术的殿堂。作者贡布里希是当代最有洞见的美术史家，也是最具独创性的思想家之一。
读这本书的时候，我怀着毕恭毕敬的心情，本来计划用一个月的时间把这本无比厚的书给读完。因为我是一个没有耐性的人，以前看书只要超过400页我都没有看完，我一直以来都没有读书的习惯，看着那些密密麻麻的字，总是耐不下心来，把一本书给读完，更别说从中找到乐趣了。但是，这本书好像有巨大的魔力，每天早上都催促着我起床，把我呼唤到图书馆，那丰富的图片和那有趣的故事强烈的吸引着我，读那么厚的一本书突然变成了我的一种享受，每次读《艺术的故事》这本书就让我感觉眼前打开了一个崭新的世界，总会有一种喜悦的心情。其实能够让我这样着迷的是那些细节的阐述。《蒙娜丽莎》和《最后的晚餐》是大家最熟悉不过的了，一开始的时候，觉得不就是画了12个人而已嘛，但是读了《艺术的故事》关于《蒙娜丽莎》和《最后的晚餐》的描写，虽然篇幅不是很长，但会觉得妙不可言。引人注目的是蒙娜丽莎看起来栩栩如生，她真像是正在看着我们，而且她有着自己的想法。就在这里，作者水到渠成的开始介绍“渐隐法”并且很贴心的在旁边附上衣服蒙娜丽莎面部的大图，可以让我们更清楚的明白这个画法到底有什么独特之处。更让我佩服的是，凡是有可以做比较的参照物，作者都不会忘记表明这个参照物到底是在书本上的第几页，具体是什么地方可以对比或者反衬，我想这就是所谓的举一反三吧。这不仅是一个学习的方法，更是一种学习的态度。
在前言我被震撼了，看到了很多实话。作者骇人听闻地说：“现实中根本没有艺术这种东西，只有艺术家而已。”他还说艺术的故事是“各种传统不断迂回，不断改变的故事”每一件作品在这故事中都既回顾过去又导向未来，作者谈到了原始人和古埃及人是画他们的所知道的东西，而印象主义者却是想画他们所见的东西。作者既不是简单地罗列史实，也不是用一些抽象难懂的“主义”来概括美术史，而是描述了一系列的“问题情境”，他认为艺术的发展是在艺术家不断解决由社会和艺术传统自身所提出的问题过程中形成的。
读完这么一本厚厚的书，觉得《艺术的故事》不仅教给人们欣赏艺术，而且它还让人们欣赏了知识和智慧的魅力。所以，这本书值得我们去读。
与大师一起艺术创想读后感 篇3
“我们对艺术的起源跟对语言的产生一样不甚了了。”当然，这里的艺术主要指视觉艺术以及雕塑、建筑。
艺术是什么？如果只是画画画、塑塑像、编编图案、盖盖房子，那么艺术的起源可以追溯到太古；如果仅把艺术当作用于欣赏需要保护的奢侈品，那么艺术的历史应该并不长。
姑且放下这个令人头疼的问题，换个角度，简单的解构已有的被承认的艺术品，从艺术品的基本属性入手。每件艺术品或多或少都有实用性和美，这两种属性我现在认为应该是负相关性的，从原始艺术品到现代艺术品的特征可以佐证。原始艺术的第一标准必然是实用，因为当时的生产力极为低下。以建筑为例，修筑房屋首要的是构筑一个遮风挡雨的休憩之所，然后才会考虑看起来顺不顺眼，即所谓的合不合适。你建的大家一看就喜欢再好不过，但是如果你审美有限，有个窝也凑活。所以就原始艺术而言，实用性是第一属性。
原始艺术的实用属性满足两个方面——自然的和超自然的。比如建房躲避自然，雕像祈求神灵。满足超自然的方面，影响深远，至今保留在我们的日常生活中，有趣的是我们还不怎么能知觉。举个例子，如果有人拿着你心爱人的照片，当你面，用剪刀戳照片里的人的眼睛，你会有什么感觉？我会暴怒，我会有一种我心爱人也受伤的感觉，即使我知道那只是照片而已。艺术品能够实现超自然目的的原因，我认为是我们错误的将世界的联系无规律化，似乎只要能建立联系就能影响另一方，无论这种联系有多牵强，长得像能联系，名字一致能联系，拿点原主的东西也能联系，只有想不到没有联系不到。本着这样的精神，原始人创作了艺术史上极为重要的几幅洞穴壁画——西班牙Altamira洞窟里的野牛和法国Lascaux洞穴里的马，他们相信将马和野牛画出来，然后鞭打折磨壁画，外面的马和野牛也会受到影响，以期收获满满。
所以，原始艺术家的首要任务，不是作品美不美观，而是作品有不有效。能不能让部落里所有人都认同你与某种东西建立了联系，并且这种联系是经典的.，是某种约定俗成下的，是成败与否的关键。情形类似于春节时的春联，春联联系的是美好的愿景，大家约定必须用红纸来写，用其他颜色的纸写就不是春联，就不能建立联系。那么原始艺术家还有创作空间么？有！继续以春联为例，在红纸的基础上，各家可以选择汉字的颜色，一般是金的或黑的，可以选择汉字的字体，楷、隶、行、草······还可以选择背景花纹，在不影响主体字的情况下，选择红纸的花纹，选择空白地方的填充图案等等。每家的春联都能代表各自的审美，而这种审美，就是原始艺术家的创作空间。
提起原始艺术，特别是当看到“原始”两字时，总让人联想到长相寒碜，制作简单，恨不得就像《洛书》、《河图》一样几根线就能搞定的东西。这应该能代表原始时期的风格，但绝不能代表原始时期的技艺，原始时期的艺术家用简易的工具足以制作一件自然主义的作品，比如尼日利亚伊费的青铜黑人头像，栩栩如生（这才是栩栩如生和教科书里说某些器皿栩栩如生完全不同）；比如美国西北岸印第安海达部落酋长的房子，刻画的精细程度和《三国立志传三》有一拼。
但是为什么我们看到的整体风格显得如此生疏？我们从观念的角度来解释，原始艺术家认为没必要，或者说描绘得太清晰了不利于脑补，构建不了联系；亦或可以从符号的方面入手，墨西哥阿兹特克时代的Tlaloc，就是以响尾蛇作符号拼凑成的，据阿城老师考证，中国的饕餮纹，可能是青龙和天极神两大符号重合的产物，符号化的东西无法自然起来，所以长成那样情有可原。
与大师一起艺术创想读后感 篇4
我以前经常思考，科学、艺术、哲学这三者是否能统一？能否利用这三者之间的关系在现实生活中的科学艺术活动中起到什么指导作用？这些问题留在我的脑海里整整一个学期，我不断地探索以渐渐明晰其本质。最近几天我有幸读了赵鑫珊的《科学艺术哲学断想》，感受颇丰，有一些新的收获我想记录下来，以便日后反复咀嚼，用以指导我的学习和工作。
《断想》这本书立意之新，所谈问题之广频频刺激着我的眼球，触及我的心灵。书中让我眼前一亮的第一个发现是爱因斯坦对哲学的定义，他是这么说的："如果把哲学理解为在最普遍和最广泛的形式中对知识的追求，那么，哲学显然就可以被认为是全部科学之母。"这定义意味着哲学同全部科学研究发生了密切的联系；使全部科学研究成果成了哲学推广的必要基础和背景；使全部科学研究得到了哲学智慧的启迪。
读到后面又发现科学和艺术是不能独立于善而存在的。这一立论真让我眼前一亮，在此我的想法是：科学即真，艺术即美，哲学即善。科学和艺术是一个硬币的两个面，是相互依存的，但这两者又离不开哲学在其中起到的作用，科学、艺术、哲学是可以融会贯通的。对这三者的追求就是我们人类文明对"真善美"的追求。反思现如今又有多少人能够孜孜不倦地追求这样一种真善美啊，在我的印象中：文艺复兴时期的.达芬奇是一个杰出的代表，二十世纪的爱因斯坦也是一个杰出的代表，到现在的二十一世纪，竟发现不了几个人能达到这种境界！可能是我了解的人还太少吧！
另外书中对科学、哲学、艺术的描述本身就具有科学性和艺术感，它这样说到：科学、哲学、艺术的最高使命都是从混乱之中整理出秩序和规律，此类活动如果有一个共同的极限的话，那么，这个极限就是永恒的、欲辨忘言的神秘感和惊讶感，具有超越时空的性质。这些让我联想到了我之前在公众号里发表过的某些论断，心头突然一喜，似乎在书中找到了知己。
不过到这里有一点我还是比较疑惑：为什么在现实生活中从事科研活动的时候我并没有体会到任何艺术感呢？读到后面我才发现科学和艺术还是有区别的，并不能完全统一，"有无自我"即有无主观移情作用是科学和艺术的一道明显的分界线。也就是说，在日常的科研活动中，你要对它投入主观情感，使你所研究的对象人性化。比如在做电子与电路实验的时候看到面包板上有各种元件组成的电路时，你可以投入一些情感，想着电路是个多么奇特的东西，几个元器件通过几条导线的连接竟然可以实现这么多的功能！就像人的大脑一样，各类细胞的连接构成了这么一个精密复杂的系统可以指导我们干这么多有趣的事！我们的先辈们是多么富有智慧啊！我一定把其中奥秘探索出来！这应该就是一种人性化的体现。
书中还有一段话道明了我之前想道明而不能的观点："科学并不能保证所有的问题都能找到最后的答案。但是，夜深人静，当你仰观天象，脑海里突然冒出这类问题的时候，你的精神便会骤然升华到与天地万物融为一体的绝高的人生境界。"通过"仰观宇宙之大，俯察品类之盛",那种如诗人般宁静的内心和洒脱的胸怀便会转移到一个科学家的身体上，这又是现在这个浮躁的社会岂能领悟的？
书中在谈到"人是什么"的时候又让我眼前一亮。它说"个人之所以成为个人，以及他的生存之所以有意义，与其说是靠他个人的力量，不如说是由于他是伟大人类社会的一个成员，从生到死，社会都在支配着他的物质生活和精神生活。",这样一个别开新意的论点让我对人的本质理解得更为深刻：人是动物的人和社会的人的耦合，不过更多的是后者，因为你的吃穿住行都是用别人的，有人可能会说，生活都是靠我自己啊，那些东西都是我用自己挣的钱买来的啊。但我想提一句，如果没有别人帮我们把这些东西造出来，你上哪买去？况且钱不也是别人造出来的吗？人之所以为人，就是因为生存在社会里，生活中不断接受外界的物质和信息，同时也向外界传递物质和信息，人类之所以拥有比其他动物更高级的文明，也就是懂得用自己的独特的大脑处理这些信息，懂得追忆往事、把握现时、憧憬未来。
都知道爱因斯坦是个伟大的科学家，也是一个伟大的艺术家和哲学家。除了对科学真理孜孜不倦的追求以外，他在音乐方面有很强的审美能力，在哲学领域中也有很精深的建树，这都是归功于早期求学的时候他迷上了康德哲学和叔本华哲学的过程中带来的哲学气质。其实我觉得在当今造就一个爱因斯坦也不是不可能的，除了有高超的数学、物理知识外，还需要有广阔而深邃的文化背景，其中艺术素养便是一大因素，前者满足我们的理性追求，后者满足我们对感情的渴望，而要达到这两者的深度融合离不开丰富的想象力。只有这样在二十一世纪的今天才有诞生另一个爱因斯坦的可能！
到这里我的分享就告一段落了，简单地说就是要学会把科学、艺术、哲学通过丰富的想象力融合在一起吧，当然要做到这一点，你首先得热爱它，能够静得下心、沉得住气，对这样一种追求怀着极大的敬意。其实书中还有其他很多有意思的观点，比如"科学家的宗教观"、"书籍生命力"、"贝多芬系列"、"‘朦胧’境界的美感"等等，在此我就不方便例举来欣赏了，其中有些由于个人兴趣原因，我并没有仔细地去看，这个过程中可能会遗失掉一些宝贵的信息。但不管怎么说，总之这几天的时间花在这样一本书上，值了！
与大师一起艺术创想读后感 篇5
“我们对艺术的起源跟对语言的产生一样不甚了了。”当然，这里的艺术主要指视觉艺术以及雕塑、建筑。
艺术是什么？如果只是画画画、塑塑像、编编图案、盖盖房子，那么艺术的起源可以追溯到太古；如果仅把艺术当作用于欣赏需要保护的奢侈品，那么艺术的历史应该并不长。
姑且放下这个令人头疼的问题，换个角度，简单的解构已有的被承认的艺术品，从艺术品的基本属性入手。每件艺术品或多或少都有实用性和美，这两种属性我现在认为应该是负相关性的，从原始艺术品到现代艺术品的特征可以佐证。原始艺术的第一标准必然是实用，因为当时的生产力极为低下。以建筑为例，修筑房屋首要的是构筑一个遮风挡雨的休憩之所，然后才会考虑看起来顺不顺眼，即所谓的合不合适。你建的大家一看就喜欢再好不过，但是如果你审美有限，有个窝也凑活。所以就原始艺术而言，实用性是第一属性。
原始艺术的实用属性满足两个方面——自然的和超自然的。比如建房躲避自然，雕像祈求神灵。满足超自然的方面，影响深远，至今保留在我们的日常生活中，有趣的是我们还不怎么能知觉。举个例子，如果有人拿着你心爱人的照片，当你面，用剪刀戳照片里的人的眼睛，你会有什么感觉？我会暴怒，我会有一种我心爱人也受伤的感觉，即使我知道那只是照片而已。艺术品能够实现超自然目的的原因，我认为是我们错误的将世界的联系无规律化，似乎只要能建立联系就能影响另一方，无论这种联系有多牵强，长得像能联系，名字一致能联系，拿点原主的东西也能联系，只有想不到没有联系不到。本着这样的精神，原始人创作了艺术史上极为重要的几幅洞穴壁画——西班牙Altamira洞窟里的野牛和法国Lascaux洞穴里的马，他们相信将马和野牛画出来，然后鞭打折磨壁画，外面的马和野牛也会受到影响，以期收获满满。
所以，原始艺术家的首要任务，不是作品美不美观，而是作品有不有效。能不能让部落里所有人都认同你与某种东西建立了联系，并且这种联系是经典的，是某种约定俗成下的，是成败与否的关键。情形类似于春节时的春联，春联联系的是美好的愿景，大家约定必须用红纸来写，用其他颜色的纸写就不是春联，就不能建立联系。那么原始艺术家还有创作空间么？有！继续以春联为例，在红纸的基础上，各家可以选择汉字的颜色，一般是金的或黑的，可以选择汉字的字体，楷、隶、行、草······还可以选择背景花纹，在不影响主体字的情况下，选择红纸的花纹，选择空白地方的填充图案等等。每家的春联都能代表各自的审美，而这种审美，就是原始艺术家的创作空间。
提起原始艺术，特别是当看到“原始”两字时，总让人联想到长相寒碜，制作简单，恨不得就像《洛书》、《河图》一样几根线就能搞定的东西。这应该能代表原始时期的风格，但绝不能代表原始时期的技艺，原始时期的艺术家用简易的工具足以制作一件自然主义的作品，比如尼日利亚伊费的青铜黑人头像，栩栩如生（这才是栩栩如生和教科书里说某些器皿栩栩如生完全不同）；比如美国西北岸印第安海达部落酋长的房子，刻画的精细程度和《三国立志传三》有一拼。但是为什么我们看到的整体风格显得如此生疏？我们从观念的角度来解释，原始艺术家认为没必要，或者说描绘得太清晰了不利于脑补，构建不了联系；亦或可以从符号的方面入手，墨西哥阿兹特克时代的Tlaloc，就是以响尾蛇作符号拼凑成的，据阿城老师考证，中国的`饕餮纹，可能是青龙和天极神两大符号重合的产物，符号化的东西无法自然起来，所以长成那样情有可原。
与大师一起艺术创想读后感 篇6
布的世界，是充满艺术的，布的本身，就是艺术的精华，智慧的结晶，有一种布匹，是布中的精华，它的图案精妙绝伦，金光闪闪，它，就是国家级非物质文化遗产——云锦。云锦的汇集所处，是南京云锦博物院。她坐落于南京大屠杀江东门纪念馆的旁边，管内藏有很多精美绝伦的云锦，在她的门前有一块巨大的牌匾，牌匾上有很多张牙舞爪的龙，充满了艺术的气息。刚进入馆内，就看到了“南京云锦”四个大字，一块如巨人般的石头立在那儿。
到了二楼，我们看到了一些关于云锦的介绍：南京云锦具有鲜明的皇室文化和浓郁的吉祥文化及佛教色彩，表达了我国皇室文化和吉祥文化的核心主题，即“权，福，禄，寿，喜，财”六字要素，反映了不同时代人们的审美观念和对美好生活执着的追求与向往。云锦馆里有很多精美的云锦图。各式各样的云锦琳琅满目，有华丽的孔雀，有富贵的牡丹，还有盘曲的龙……我记得在这些云锦当中，有一幅云锦画还得了一个金奖杯！
那幅画虽没有牡丹花那样饱满，却做工精细。一条条身披金鳞的龙，活灵活现的展现在我们眼前。龙的胡须和龙爪，虽然细而小巧，但线条清晰，纹理流畅。一幅幅云锦，都是由一架架织布机创造出来的。一架织布机需要两个人，一个人坐在织布机的顶端，理顺丝线，另一个人则是织云锦的。两个技艺高超的织布技师，操作八个小时，一共才能织出五厘米左右的云锦。这次我总算见识到了让布匹变成一种艺术品的艰辛和不容易。南京云锦，南京的代表！zUowEn101.COm
与大师一起艺术创想读后感 篇7
在三年级时，我学会了许多本领：扫地、洗衣服、下棋、烧饭、画画……不过，最让我难忘的，还是学习钢琴。
每一节音乐课上，我都看着伙伴们的手指在琴键上飞舞，对他们投去羡慕的目光。那时，我一项特长都没有，又常常做不好事情，所以经常被同学们取笑。对于这些，我表面上只是一笑而过，其实内心非常不服气。晚上，我跑回家跟妈妈说：“妈妈，我看同学们都有许多特长，我也想学一个！不然的话，我就天天被同学们取笑了。”妈妈似乎对此很有兴趣，一本正经地问“好啊，那你最想学什么？”我思索了一会，最终下定决心说：“恩……我每天都看见同学们在弹琴，我要学钢琴！”妈妈很爽快地答应道：“那我就去给你买一个。”“太好了！”我开心极了。
过了一个月，钢琴老师也来教我弹琴了，我每天拼命练习，可是似乎没有什么进展，钢琴老师也天天批评我这弹不好，那弹不好。我的自信心渐渐地被打垮了，对钢琴的兴趣失去了大半。妈妈见我变成了这样，语重心长地对我说：“儿子，无论做什么事都要持之以恒，不能半途而废。难道你不想跟其他同学一样受到人们的.表扬吗？”说罢，我又重拾信心，努力练琴……
一个月又过了，老师对我的态度渐渐好转，我也能弹下一些大型的曲子了。在弹完钢琴之后，我也会去听一些钢琴名曲，玩一玩有关钢琴的小游戏，和同学们一起讨论琴要怎么弹才好听。有了这些，我的琴技可是有了质的飞跃，从什么都不会弹，到可以背下一些小曲子，再到能弹一些大型曲目，到有了考级的水平，全部都是在一个月之内！
到了考级的那一天，我十分紧张，在考场里虽有空调，但豆大的汗珠还是不停地冒出来。考试结束后，我心里的一块大石头总算放下了。得到了三级钢琴考试过关的证书后，我兴奋地一蹦三尺高。
走进艺术的世界不是一件简单的事情，既需要持之以恒，也需要刻苦练习，只有这样才能深刻领略艺术世界的魅力，品尝成功的滋味。钢琴是我一生的骄傲，八级的钢琴水平是我坚持不懈的最好验证，我为此而自豪！
与大师一起艺术创想读后感 篇8
我读了《谁动了我的奶酪》这本书，感受很深。
故事主要讲了：两个小老鼠嗅嗅、匆匆和两个小矮人哼哼还有唧唧，在一个迷宫里面找奶酪的事。有一天，他们发现了堆满奶酪的C站，便尽情地享受起来。嗅嗅和匆匆似乎察觉到这里的奶酪，总有一天会被吃完。于是，过了几天就离开C站，到其他地方去寻找新的奶酪了。而哼哼和唧唧却还沉浸在C站悠闲的时光中，一点都没有奶酪会被吃完的紧迫感。到了奶酪吃完的时候，唧唧去了外面寻找新的奶酪，而哼哼却不肯去，怕途中遇到危险。这时，两只小老鼠找到了堆满了奶酪的N站，唧唧经过一番努力后，也找到了这里，而哼哼却永远留在了C站。
他们四个都有不同的性格特点。嗅嗅能预测事物变化，匆匆喜欢立刻采取行动，哼哼担心事态变得更加糟糕而否认、抵制变化，唧唧发现变化可以带来更好生活能及时做出调整。性格影响人生，四个小主人公的性格特点不同，因此各自走向了不同的人生。
其实，这个迷宫就是一个人生，而“奶酪”就是你在一生中遇到的一些对你有益的事。但这些事肯定会变化的，所以说你还得去寻找新的“奶酪”。
人生就是这样，你必须适应变化，而不是让变化来适应你。否则，就只能像哼哼一样，走向绝路。
与大师一起艺术创想读后感 篇9
接触《艺术的故事》这本书是挺意外的，因为研究生考试开始选的学校参考书目就有这本书。看之前总觉得像在应付考试，细读下来却对这本书有了些许敬意。
《艺术的故事》是贡布里希爵士编著的，书中概括地叙述了从最早的洞窟绘画到20世纪前半叶的实验艺术发展历程。里面的内容很多，绘画、雕塑、建筑均有所涉及。倘若是其它艺术史类的著作，六七百页厚的书籍细看下来多少是需要些勇气的。还好本书通俗易懂，简明晓畅的语言就能表达严肃的题目。在这里若让我概述一下每一个章节多少显得有些不合实际。因此，我更愿意来总结一下诸如“透视的发现和在绘画中的应用”这样一个小的脉络。
“透视”这个词在我们看来并不陌生。甚至我们第一天学习美术画个正方体老师们就会给我们讲透视。可能在今天的人看来，利用透视营造真实的空间显得那么司空见惯，可在这些东西刚被发现时当时的人们该是多么惊愕啊！
《艺术的故事》这本书在3、6、10、12、13章中涉及到过透视问题。我大概有这样一个脉络，透视的发现和发展经过了4个阶段。
一，短缩法的发现和运用
透视在没有被明确的提出之前被称为短缩法。最初发现短缩法是在比公元前500年稍早一些的一个希腊花瓶上。画的是辞行出征的战士，右脚仍然是继承了古埃及的“保险”画法，但是左脚已经是经过透视短缩了。我们看到5个脚趾好像一排五个小圆圈。也许这么小的一个发现不值得我们这么兴奋，但实际上这意味着古老的艺术已经死亡而被埋葬了。后来的希腊化时期和拜占庭时期的画中也出现过短缩法。当时的艺术家是把远处的东西画的很小，近处的东西画的很大。可是远处的物体有规律的缩小这条法则在古典文化时期还没有被采用。
二、短缩法再次被重视
乔托所画的《“信德”的拟人形象》中，我们看到了手臂的短缩法，脸部和颈部的'明暗造型，流动的衣褶中深深的阴影。像这样的东西已经有1000多年之久完全不画了。乔托重新发现了在平面上造成深度错觉的艺术。
三、透视法的提出和应用
到了15世纪初期，布鲁内莱斯基发现了“透视法”。我们已经看到，尽管希腊人通晓短缩法、希腊化时期的画家精于造成景深的错觉感，但是连他们也不知道物体在离开我们远去时体积看起来缩小是遵循什么数学法则。马萨乔迅速掌握了这种透视手段并体现在画中。在他的《三位一体以及圣母、圣约翰和供养人》这幅壁画中，墙面好像被凿了一个洞。通过洞口人们可以窥视到里面的一座布鲁内莱斯基风格的新型葬仪礼拜堂。
到了15世纪后期，安杰利科修士的一幅《圣母领报》中，我们立刻可以看出透视技艺对他来说毫无困难。乌切洛更是全神贯注于透视研究之中。通过他所热爱的透视技艺试图构成一个真实的舞台，使他的人物在那个舞台上有立体感、有真实感。虽然乌切洛还没有学会怎样使用光线、明暗和大气来修润严格透视画法的刺目的轮廓。但他也体验到了透视法给他带来的新奇效果。
四、透视法的继承和发展
曼泰尼亚沿着马萨乔的路子走了下去。他的人物像马萨乔的人物那样动人，那样有雕塑感。曼泰尼亚意在使用透视法创造一个舞台，使他的人物好像立体实物一样站在上面活动。他好像一个高明的舞台监督那样，布列人物来表达这一瞬间的意义和事件的过程。
当然，对透视的探索仍在继续，只是艺术家遇到的问题更多的体现在其它方面了。《艺术的故事》这本书中涉及较少。希望以后能看更多的书籍，进一步总结透视发展的脉络。
与大师一起艺术创想读后感 篇10
我认为这本书的最大价值在于，它把艺术史研究与美学研究结合为一体，提供了在以后搞艺术的具体实际情况，而不是像普通哲学一样的普遍规律。
他认为，艺术作品从属于一个总体，艺术家应该从整体实际出发在结合现在的世界情况，丹纳进一步提出，把种族、环境和时代作为艺术的三种基本要素。所谓种族，是指一个民族在生理学和遗传学意义上所固有的性格、气质、观念和智力等方面的文化倾向。这种倾向是一个民族的先天本能和最稳固的原始特征，极少受环境的迁徙和时代变革的影响而变化。所谓环境，包括自然环境和人类环境。前者指物质环境，包括种族生存的地理位置和气候状况等自然条件；后者指风俗习惯和精神气候，其中包括政治、战争及民族性格和生活情趣等整个社会文化氛围。他看来，种族是艺术的“内部的精髓”，而环境则是艺术的“外部影响”。而时代则是内部主源在下“外部影响“。在丹纳的体系中，人类一开始，在环境的一定推动下，通过时间的作用，规划艺术特点，艺术风格等等，当这些达到一定的程度，则形成了地域行的艺术，比如说：中国和欧洲的不同，开始是因为环境和种族的.截然相反，达到一定程度，形成了两种截然不同的文化。
他还提出了怎样判定艺术作品的的价值，艺术作品再现种族、环境和时代特征的程度及效果。一共有三条：特征的重要程度；特征的有益程度；效果的集中程度。
艺术也是一个形成，发展，繁荣，衰落的过程，建筑设计应该跟当地的文化，环境，时代，种族，信仰，资金，技术，形体的大小等互相吻合，达到一种有机的整体，这才叫艺术美。
与大师一起艺术创想读后感 篇11
这本书讲了一个传统不断变化、不断延续，一个艺术创新的问题，就这点而言最适合学艺术的学生来读的。该书被誉为艺术史中的圣经。据说它被译成30种文字。就是这本书把成千上万的人引入了艺术的殿堂。作者贡布里希是当代最有洞见的美术史家，也是最具独创性的思想家之一。生于奥地利的维也纳，后移居英国并入英国籍。任美术界最高荣誉——剑桥和牛津大学斯莱德美术讲座教授，以及哈佛等多所大学的客座教授，屡获欧美国际学术机构的特殊荣誉。他还有学术著作有《艺术与错觉》、《秩序感》、《艺术发展史》、《象征的图像》等。50年前《艺术的故事》刚问世时的一段书评说：“这部肯定被广泛阅读的著作将会影响一代人的思想。贡布里希的学问，尽管在这一领域工作的任何学者都不难察觉，但他却表达得不露声色，而且几乎在每个论题上都讲出了新意。他以寥寥数语就阐发了一个时代的整体气氛。”这段文字出自当时的艺术史权威博厄斯之手，半个世纪后被证明绝非溢美之词。《艺术的故事》顾名思义不是一部高深的学术著作，作者开宗明义：本书打算奉献给那些需要对一个陌生而迷人的领域略知门径的读者。因此作者的任务是用浅近的语言，让读者用崭新的眼光去观看艺术作品。简而言之，这是一部通过艺术史来帮助人们欣赏艺术的通俗读物。
《艺术的故事》讲述的是各种传统不断迂回、不断改变的故事，每一件作品在这故事中都既回顾过去又导向未来，因为在这个故事中，哪一方面也不如这样的景观奇妙：即一条有生命的传统锁链还继续把当前的艺术跟金字塔时代的艺术联系在一起。换句话说，“艺术为何会有一部历史”？作者以其特有的方式给出了回答。因此，如果说《艺术的故事》有一种艺术史的模式的话，那就是艺术问题史的模式。它不仅不同于艺术进步史模式，而且尤其反对那种已成了陈词烂调的艺术是时代精神表现的模式。正是在讨论艺术问题的提出与解决时，作者建立了一个社会情境的模式，这个模式的主要内容就是艺术家所面临的问题情境。难能可贵的是，作者用简洁的语言把手中的问题表达得如此清楚透彻，真是一个了不起的贡献。
本书不因用语浅近而降低理论的深度，正所谓“意深而文明”，使其写作本身就成了一种艺术。《艺术的故事》的心理学出发点正是这种观念，作者谈到了原始人和古埃及人画他们的所知，而印象主义者却想画他们的所见。通读全书，我们看艺术家如何从原始人和古埃及人的概念方法一步步走到印象主义的方法。尤其值得注意的是，作者在结尾写道：在印象主义的方案中也许有某种矛盾导致了再现艺术在20世纪的崩溃。因为实际上没有哪位艺术家可以抛弃所有的法规和程式，单纯地画他的所见。换言之，作者提出了所见与所知理论本身存在的一个巨大问题。从而把这个理论问题留给了他的更高深的著作《艺术与错觉》去解决。至此，我们可以进一步地说，《艺术的故事》不仅教给人们欣赏艺术，而且它还让人们欣赏了知识和智慧的魅力。所以，这本书值得我们去读。